Categoría: Música
2 Agosto 2008
Francesco Cilea
SARAMORI
Italia nos ha legado grandes músicos, compositores, interpretes de la opéra de la música clásica que no pueden ser olvidados.
En esta oportunidad recordamos a Francesco Cilea,quién nace en Palmi el 26 de Julio de 1866 y se señala , fue el heredero de la corriente verista italiana de finales del siglo XIX y principios del XX. Cilea se dedicó a la dirección de conservatorios de música y la enseñanza. Dictó clases en Florencia, Palermo y finalmente Nápoles, donde trabajó desde 1916 hasta su retiro en 1936. El mayor éxito de Cilea y su más famosa ópera fue Adriana Lecouvreur. Fue estrenada en Milán en 1902 con Angelica Pandolfini y Enrico Caruso.
Wikipedia nos aporta, que fue un compositor de ópera, con un notorio éxito inicial que no logró mantener mientras el gusto del público fue cambiando. Cilea fue el heredero de la corriente verista italiana de finales del siglo XIXy principios del XX. En 1913, luego de estrenar un poema sinfónico coral en honor de Giuseppe Verdi en el Teatro Carlo Felice (Genova) de Génova, Cilea se dedicó a la dirección de conservatorios de música y la enseñanza. Dictó clases en Florencia, Palermo y finalmente Nápoles, donde trabajó desde 1916 hasta su retiro en 1936. Cilera publicó también piezas para piano. Su música de cámara no es muy conocida.
Nos agrega .epdlp.com/compclasico, que este Compositor y pianista romántico italiano,estudió en el Conservatorio de Nápoles entre 1881 y 1889. Antes de su graduación se estrenó su primera ópera, Gina (1888) y más tarde La tilda (1892), que explotaba los personajes veristas de moda. Fue profesor de piano en el Conservatorio de Nápoles y de teoría y contrapunto en el Reale Istituto Musicale de Florencia. El éxito le llegó en 1897 con el estreno de su obra La Arlesiana, con Enrico Caruso en el papel principal, causando un gran impacto y ayudando a promover su carrera como compositor. Su ópera más famosa Adriana Lecouvreur (1902), fue estrenada en Milán con Angelica Pandolfini y de nuevo con Enrico Caruso. Su inmediato éxito hizo que a los 2 años ya estuviera en el Covent Garden de Londres, en 1907 en Nueva Orleans y también ese año abriera las temporadas del Metropolitan Opera House de Nueva York. En 1913 fue nombrado director del Conservatorio de Palermo y en 1916 del Conservatorio de Nápoles, puesto que mantuvo hasta los setenta años. Escribió dos óperas más, Gloria (1907), Il matrimonio selvaggio (1909), numerosas canciones, dos suites orquestales, el poema sinfónico para tenor, coro y orquesta El canto de la vida, Lodi Sinfoniche y numerosas obras de cámara, incluyendo un trío con piano y una sonata para este instrumento. Los últimos años de su vida, con una salud deteriorada, los pasó en su casa de Varazze, dónde murió el 20 de noviembre de 1950.
Definitivamente, Francesco Cilea, su nombre se asocia casi en exclusiva con la ópera “Adriana Lecouvreur”.
Nos recuerda operapassione.spaces.live.com que antes de escribir la opéra señalada, compuso la Arlesiana”, basada en la tragedia de Alphonse Daudet y estrenada en noviembre de 1897 en el Teatro Lírico de Milán. Si bien no puede hablarse de un estreno exitoso, debe señalarse que la participación en su montaje de Enrico Caruso cantando su famosa aria como el “Lamento de Federico” fue todo un suceso y marcó el comienzo de la fama de este tenor, que por entonces tenía nada más que 24 años de edad. Intentos de Cilea por potenciar “La Arlesiana” lo llevaron a reformular varias veces la ópera, sin lograr para ella un verdadero repunte.
En 1902 vendría el golpe maestro de Francesco Cilea con “Adriana Lecouvreur”, también estrenada el Teatro Lírico de Milán y nuevamente con Enrico Caruso en el rol masculino principal. Vendrían luego dos óperas más: “Gloria”, estrenada sin éxito en 1907 en La Scala de Milán con la dirección de Arturo Toscanini, e “Il matrimonio selvaggio”, ópera compuesta en 1909 y nunca representada. En 1913 Cilea fue contratado como Director del Conservatorio de Palermo y en 1916 asumió el mismo cargo en el Conservatorio de Nápoles, trabajando allí hasta 1936. Los últimos años de su larga vida de 84 años los pasó en su villa de Varazze, con su salud muy deteriorada y una sordera en creciente avance.
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2 Agosto 2008
SARAMORI
En la era del romanticismo se dió un gran número de grandes músicos que nos legaron a quienes permanecemos presente en esta dimensión, sus obras , sus joyas musicales que has perdurado con el tiempo y se dejan oir impregnandonos de es bellaza propia de esos genios de esa época .
Se ha escrito, que el Romanticismo abarca todo el siglo XIX aunque con anterioridad, en Beethoven se empiezan a percibir características que van perfilando este nuevo periodo. Puede decirse que la transición del Clasicismo al Romanticismo se produjo sin brusquedad, como si éste fuera el resultado de la evolución natural del estilo clásico. Los compositores de este periodo, en cambio, encontraron una situación histórica y cultural más favorable que les permitió dotarse de un bagaje cultural más amplio; el músico se liberó de la dependencia de componer o interpretar para la iglesia o para algún que otro príncipe o valedor. Asimismo, la burguesía se emancipó, las ciudades incrementaron su población considerablemente. En consecuencia, la afición por las actividades culturales en general y la música en particular hizo aumentar considerablemente la demanda de música y de intérpretes. Esto amplió el abanico de posibilidades para que los músicos pudieran ejercer su arte con mayor independencia y con mayores posibilidades de éxito. El siglo XIX, y el romanticismo en particular, asistió a un gran número de manifestaciones musicales.
Larga sería la lista de los grandes músicos de esa época e injusto sería deternos específicamente en concretarnos en algunos en forma específica ,puesto caeríamos en un subjetivismo que podría herir sucecptibilidades a quienes están plenamente identificado en esa época con algún músico en lo personal.
Wikipedia nos aporta una información relevante al respecto y comenta, que el romanticismo fue un período que transcurrió aproximadamente entre principios de los años 1800 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período. El romanticismo musical es un período de la música académica que fue precedido por el clasicismo y continuado por el modernismo.
El romanticismo musical está relacionado con el romanticismo, la corriente de cambios en literatura, bellas artes y filosofía, aunque suele haber ligeras diferencias temporales, dado que el romanticismo en aquellas artes y en la filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y 1840. El romanticismo como movimiento global en las artes y la filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La música del romanticismo intentaba expresar estas emociones y describir esas verdades más profundas, mientras preservaba o incluso expandía las estructuras formales del período clásico.
El término música romántica, que podría confundirse con la música del romanticismo, se entiende como toda música suave o con una atmósfera ensoñadora (no siempre ha de ser así). Ese término podría relacionarse con la palabra romántico que se estableció durante el romanticismo, pero no toda la música del romanticismo cumple con estas características. Del mismo modo, no toda la música romántica se puede relacionar con el período romántico.
Dentro de esa época del Romanticismo, en lo personal es muy importante la que destaca Wikipedia, cuando señala, que en la segunda década del siglo XIX, se dio el cambio a nuevas fuentes para la música, junto a un uso más acentuado del cromatismo en las melodías y la necesidad de más expresividad armónica, produjeron un cambio estilístico palpable. Las razones que motivaron este cambio no fueron meramente musicales, sino también económicas, políticas y sociales. El escenario estaba preparado para una nueva generación de compositores que podía hablarle al nuevo ambiente europeo post-napoleónico.
En el primer grupo de compositores se suele agrupar a Beethoven, Louis Spohr, E. T. A. Hoffmann, Carl Maria von Weber y Franz Schubert. Estos compositores crecieron en medio de la dramática expansión de la vida concertística de finales del siglo XVIII y principios del XIX, y esto le dio forma a sus estilos y expectativas. Muchos saludaron a Beethoven como el modelo a seguir, o al menos a aspirar. Las melodías cromáticas de Muzio Clementi y las óperas de Rossini, Cherubini y Mehul, también ejercieron cierta influencia. Al mismo tiempo, la composición de canciones para voz y piano sobre poemas populares, para satisfacer la demanda de un creciente mercado de hogares de clase media, fue una nueva e importante fuente de entradas económicas para los compositores.
Los trabajos más importantes de esta ola de compositores románticos fueron quizás los ciclos de canciones y las sinfonías de Schubert, las óperas de Weber, especialmente Oberon, Der Freischütz y Euryanthe. Para la época, las obras de Schubert sólo se interpretaron ante audiencias limitadas y sólo pudieron ejercer un impacto notable gradualmente. Por el contrario, las obras de John Field se conocieron rápidamente, en parte debido a que era capaz de componer pequeñas y "características" obras para piano y danzas.
La siguiente cohorte de compositores románticos incluye a Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin y Hector Berlioz. Ellos nacieron en el siglo XIX e iniciaron pronto la producción de composiciones de gran valor. Mendelssohn fue particularmente precoz, escribiendo sus primeros cuartetos, un octeto para cuerdas y música orquestal antes de cumplir los veinte años. Chopin se abocó a la música para piano, incluyendo etudes (estudios) y dos conciertos para piano. Berlioz compondría la primera sinfonía notable luego de la muerte de Beethoven, la mencionada Sinfonía fantástica.
Al mismo tiempo se estableció lo que ahora se conoce como "ópera romántica", con una fuerte conexión entre París y el norte de Italia. La combinación del virtuosismo orquestal francés, las líneas vocales y poder dramático italianos, junto a libretos que se basaban en la literatura popular, establecieron las normas que continúan dominando la escena operística. Las obras de Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti fueron inmensamente populares en esta época.
No cabe la menor duda como se ha escrito, que la música del romanticismo busca nuevos horizontes y descubre la universalidad de lo local.La gran historia de la música es reconquistada por los pueblos y naciones, gestándose un principio de expresión universal a través de los sonidos y los cantos.
Además de la música italiana, la francesa y la alemana surgen aportaciones fundamentales al bagaje histórico que provienen del Centro y Este de Europa. Chopin utiliza su arrolladora pasión romántica para dar alas al patriotismo polaco, mientras Smetana universaliza el amor al terruño de su Chequia o Grieg dibuja los fiordos de Noruega, e incluso hay quien pinta naciones imaginarias o culturas soñadas.
La música emprende la expedición sin retorno en busca de los genes melódicos y rítmicos de las identidades sociales.
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8 Febrero 2008
Gal Costa
SARAMORI
La maravillosa voz de la brasileña Gal Costa es y será un símbolo de la interpretación del Bosanova de Brasil, la reina de la balada. Oirla cantar conlleva a disfrutar lo que el bossanova representa y lo que origina para quienes de alguna forma se identifican con esa exquisita música suya.
El padre de Gal murió cuando ella tenía 14 años, y nunca lo conoció. Gracinha, como era llamada por su madre, nació el 26 de septiembre de 1945, y con dos años de edad ya decía que quería ser cantante. El sustento en la época era garantizado por el trabajo de Doña Mariah con la distribución de leche, hasta que esa práctica fue prohibida. Fue entonces que madre e hija fueron a vivir en la calle Rio de São Pedro, en la Barra Avenida. Gal tenía unos 10 años, cuando conoció a dos hermanas: Sandra y Dedé Gadelha, que se tornaron sus grandes amigas
Su amigo Caetano Veloso la define como: «una voz capaz de proyectar la samba hacia el futuro con la espontaneidad del que recuerda viejas cancioncillas».Con una carrera de más de 40 años, Gal Costa es una delas grandes referencias musicales de Brasil
Gal comenta, que siente que la música me da energía, vitalidad, fuerza, voluntad de vivir. Me toma más generosa, más amorosa, a través de ella puedo convivir mejor con las personas. Puedo vivir mejor.Quizás ésta sea la definición más exacta de sí misma. Porque es imposible separar la música de ésta mujer que nació en el corazón de Brasil, Bahia. Desde aquellos primeros pasos cuando trabajaba en un local de venta de discos, hasta ésta Gal Costa que logró conquistar mercados tan difíciles como el europeo o el argentino, han pasadovarios años. Pero sigue conservando la misma fuerza y las mismas ganas sin apartarse de sus verdaderos orígenes. Para Maria da Graça Costa Penna Burgos, dos cosas son fundamentales: música y religión ("Pienso que el candomblé será la religión del futuro. Porque es la más pura.)
Se ha escrito, que Caetano Veloso es para Galsu mejor compositor, el que mas entiende su sensibilidad y generalmente pide que le escriba. Ésta bahiana fue una de las primeras en imponer su propio estilo y en apartarse de las "normas" que regulaban la música brasileña e iniciaron una nueva era musical. Durante mucho tiempo, la prensa de su país la llamaba "la hippie"
En una entrevista que se le hiso, se le preguntó
¿que pensaba de la moral burguesa de su país?
-Yo pienso que no puedo hablar sobre moral con cuatro o cinco palabras. Moral implica varios valores y cosas. Mas creo que la moral burguesa que se impone en muchos países en determinadas creencias es muchas veces innecesaria, burda, represiva, poco abierta para el mundo y para el ser humano. Creo que deberian ser mas abiertos, entender más sobre los verdaderos valores.
Cuando Gal posó desnuda para una revista brasileña no fueron pocos los que criticaron la actitud de Gal. Hoy, a la distancia, ella dice que "en realidad posé desnuda porque no tengo ninguna culpa con mi cuerpo.
Yo pienso que si las fotos son puestas de una manera elegante, pura, es una cosa bonita. Y fue por eso que lo hice. Con el permiso apasionamiento que pongo en mi trabajo, en mis canciones y en música...
Para el desaparecido Tom Jobim la bahiana, en su opinión, es la voz más completa del Brasil actual, la que más fácilmente lo seducía con la tersura de su timbre y su sedosa musicalidad.
De la rica cosecha de Jobim, Gal eligió los temas más adecuados a su sensibilidad. Algunos son clásicos de los que logró extraer nuevos ecos. Como "Desafinado", "A felicidade", "Wave" y "Corcovado", o como el fundacional "Chega de saudade", que encuentra en el auditorio del Palace de San Pablo -donde fue efectuado el registro en septiembre de este año- un coro espontáneo y participativo
El trabajo de Gal, se ha dicho, está íntimamente ligado al que Cristóvão Bastos desarrolla al frente de su pequeño conjunto de piano, guitarra, chelo, flauta, saxo, bajo, batería y percusión. Ninguno de los dos perdió de vista los originales, lo que en el caso del arreglador era particularmente engorroso porque no es tan sencillo inventar variaciones para un material tan bien orquestado (por el propio Jobim, claro, pero también por otros maestros de categoría internacional como Radamés Gnatalli, Claus Ogerman o Nelson Riddle). Sin embargo, Bastos sale airoso de la empresa.
Se sabe que Durante buena parte de los años ’90, Gal Costa atravesó una etapa artística en la que ganaron los “grandes éxitos”, las revisiones de clásicos y la canción con brillos y tornasoles varios, desde los vestidos hasta los arreglos musicales. Aquella placidez sofisticada la acercó al gran show business internacional, al tiempo que la fue alejando de la evolución de la MPB, siempre más cercana al riesgo y a la mezcla desprejuiciada. “Puso el piloto automático”; “tomó la decisión de hacer música de crucero”, la sepultó en su momento la crítica.
Para colmo, en una entrevista Gal habló de la imposibilidad de superar a su generación de creadores brasileños, aquella “generación imbatible”. Todos salieron a decir que Gal estaba renegando del recambio. Que –¡¡herejía!!– negaba a la nueva generación de MPB.
Justo entonces, la bahiana tomó fuerza con un disco que resultó todo un quiebre en la dirección que había tomado: Hoje (Hoy), su último trabajo de estudio, de 2005, arreglado y producido nada menos que por Cesar Camargo Mariano, quien fue esposo de Elis Regina y es uno de los creadores más reconocidos del Brasil.
Allí decidió sumar firmas infaltables como las de Caetano Veloso y Chico Buarque con otras de autores desconocidos por el gran público, y de otros igualmente nuevos pero un poco más conocidos como Moreno Veloso que, además de ser el hijo de Caetano, es el autor del tema que da nombre al disco y hace rato que tiene nombre propio más allá de su padre.
Gal Costa diceel canto es lo que me completa, me satisface, me alimenta. Si no canto, muero.
Las personas que rotulen éste trabajo como quieran. Para mí, lo que vale es que, nuevamente, estoy dando todo por aquello que más adoro en éste mundo: la música. Y para hablar aún más sinceramente, en cuanto a Gal Tropical, ni yo misma lo siento como ese tal marco de carrera que las personas tanto dicen que fue. Reconozco todo el éxito alcanzado por el espectáculo - al final solo en Río nos quedamos un año entero en cartel, además de las muchas temporadas por otras ciudades brasileñas y hasta más allá de las fronteras- , pero para mí, él no pasó de un trabajo más. Es así también que veo a Fantasía - como un trabajo más por el cual doy todo de mí"
Amando a todos sus trabajos igualmente, así como una madre que distirubuye afecto indiscriminadamente por toda la prole, Gal entregó la idealización de Fantasía al ya antiguo compañero profesional, Guilherme Araújo - que también creó y dirigió Gal Tropical. "Guilherme, yo y el resto del equipo envuelto preferimos optar por una estructura simple de espectáculo. Así, Fantasía es, básicamente, un recital de una cantante, filalizando con un homenaje al teatro de revista."
Creo que, de una forma general, la música está intimamente ligada a la sensualidad y se que las personas dicen que soy sensual cuando canto. Sin embargo no me coporto así. Si parezco sensual es porque en aquel momento estoy siendo natural y ésto está pegando fuerte en las personas como sensualidad. El rótulo de símbolo sexual no me incomoda. Porque lo que sé es que soy principalmente una cantante.
Cantar es mi mayor preocupación y todo lo que surja a partir de eso es simplemente consecuencia. Si, cuando me ven cantando, las personas me consideran una mujer bonita, sensual o sea lo que fuera, ellas están viendo pedazos de mí. Todos ellos hacen parte de un todo que soy yo, pero cada persona ve de éste todo lo que quiere y desea. Claro que me hace bien sentirme bonita. Además, yo cuido siempre de mi cuerpo porque mi cabeza queda muy mal cuando las gorduritas comienzan a saltar por las ropas. Pero si hago dieta, gimnasia o sea cualquier otro esfuerzo más, es por una cuestión de equilibrio íntimo. No hago nada con mi cuerpo para que los otros lo admiren; lo hago para que yo misma me sienta bien dentro de él (galmariacosta.com.ar/)
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9 Enero 2008
SARAMORI
Dificil dejar pasar por desapercibido lo que representa para los gitanos la música y lo que ellos nos han legado y todavía se escuha con interés.
Se ha señalado, que son notables por su talento como músicos y danzantes, algunos lo señalan como seres casi míticos y mágicos, representando a gente fuera de los confines y realidades vanas del mundo cotidiano.
Se señala, que una aldea gitana no puede ser concebida sin su música, infaltable en los acontecimientos sociales de relevancia como las bodas, bautizos y funerales. A pesar de ser música popular o folclórica transmitida a través de los siglos por la tradición oral, contiene una variedad de elementos de un elevado orden melódico, rítmico e interpretativo que captó la atención de importantes compositores y musicólogos del siglo XX. Las melodías que pueden escucharse se construyen sobre escalas musicales más complejas que las típicamente occidentales, por ejemplo, escalas de 8 sonidos en lugar de los 7 habituales de nuestra música.+(uaem.mx/ufm)
A lo largo de la historia, y especialmente desde que llegaron a Europa, a menudo fueron acusados de brujería.
Su vida nómada, sus peculiares costumbres, y el secreto que hacían de su lengua y de sus instituciones los hacían los chivos expiatorios favoritos de los miedos y tensiones de las sociedades que visitaban.
Los gitanos son un símbolo contradictorio de misticismo, libertad, miedo, independencia… y fuente de inspiración artística.
Durante mucho tiempo, la música ha jugado un papel central tanto en la vida comercial como social de los gitanos, y han hecho grandes contribuciones en muchos países.
Han desempeñado un rol sde alguna manera en el Flamengo y sobre ello se dice, que su condición de pueblo nómada y errante determinó, por un lado, que sirviesen de correa de transmisión entre el mundo marginal morisco y la cultura urbana, y por otro, que muchos de ellos se dedicasen al cante y el baile andaluz para su sostenimiento económico, de modo que con el tiempo acabaron convirtiéndose en los principales profesionales del arte flamenco, especialmente desde finales del siglo XVIII, produciéndose desde entonces una separación entre el cantaor aficionado y el profesional. Sin embargo, la nula vinculación musical de la música flamenca con otras músicas producidas por gitanos en otros lugares de Europa, descarta que fueran ellos sus principales gestadores, si bien se les suele atribuir como propios algunos palos como la mariana, la alboreá o los de compás binario.
Sobre la música gitana, Christopher Luna y Rafael Villegas, aportan que el término música gitana resulta atractivo, exótico. Evoca imágenes, sonidos y, sobre todo, estilos de vida llenos de a riqueza del nomadismo histórico del que ha sido sujeto el pueblo denominado cigani, bandgar, romani y manush, entre muchas otras designaciones hechas en una variedad de regiones. El paso del pueblo gitano por Persia en el siglo III, Grecia en el XI, y luego su dispersión por Asia, Europa e incluso América del Sur, hasta su concentración en Europa central y oriental, explica la complejidad que se percibe en su música.
El verdadero origen de este pueblo permanece aún sin resolver; cuando se trata de rastrearlo la ciencia y el mito contribuyen al halo de misterio. Están las teorías que lo ubican proveniente de tierras egipcias, donde, a causa de su negativa para hospedar a la Virgen María, sería expulsado y condenado por una especie de maldición a rondar por el planeta sin un destino fijo. Se le ha ubicado también como procedente de Persia, Turquía, Hungría y el Cáucaso. Cada teoría ha encontrado a lo largo del tiempo seguidores y detractores, pero parece ser que la más aceptada al interior de la comunidad científica lo ubica como oriundo de la India.
Grellman analizó a numerosos grupos de gitanos alemanes, transilvanos y húngaros, encontrando en su lenguaje numerosas palabras indostanas. Esta similitud y la observación de ciertos rasgos en la fisonomía del pueblo gitano contribuyeron a la sustentabilidad de esta última teoría.
Gran parte del redescubrimiento de la música gitana se dice se debe al film Latcho Drom (Francia, 1993), en el cual el director Tony Gatlif documenta los ires y venires de los Romo (gitanos) en un cruce de estilos visuales que lo mismo podrá estar influenciado por National Geographic que por la estética del videoclip musical propia de MTV. Apoyándose fundamentalmente en la música y sin usar diálogos, Gatlif se remonta a la partida de los gitanos desde el norte de lndia hasta Europa y el resto del mundo, sin olvidar en su historia la concentración de los gitanos en la Segunda Guerra mundial en campos como Auschwitz. La banda sonora de la película incluye música gitana de diferentes regiones: India, Egipto, Turquía, Rumania, Hungría, Francia España, y entre los grupos que ahora son más reconocidos podemos encontrar a Taraf de Haidouks y a Hasam Yarim.
Hay controversia en torno al designar la música que tocan los gitanos como música gitana. La razón es clara: ¿hasta qué punto una música es de propia de la región, por ejemplo, de los campos de Rumania, o de los gitanos, quienes llegan a intercambiar su música con la del lugar? Resulta la interrogante de si es propicio llamarle música folclórica, ya sea rumana, húngara o eslava, entre otras, o música gitana.
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18 Diciembre 2007
SARAMORI
Imposible ignorar la relevancia, la belleza del sonido del Bossa Nova brasileño, en donde se manifiesta el alma de Río Janeiro con todos sus encantos, pasiones, tristezas, alegrías.
No nos debe sorprender que se diga, que es difícil definir la bossa nova como un movimento marcado por la homogeneidad. Era, sí, el fruto de un estado de espíritu, de un momento histórico y social. Brasil pasaba por un inédito proceso de industrialización y urbanización que había dado origen a una clase media ávida de novedades. La bossa respondió a esa necesidad y de algún modo retrató ese sentimiento. Y porque le dio voz a toda una generación, carece de fecha exacta de nacimiento. Fue germinando de a poco, entre los muchachos y chicas que se reunían en departamentos o residencias de los barrios del sur de Río para escuchar y hacer música. Eran admiradores del bebop y el cool jazz , pero también de Lucio Alves, Doris Monteiro, Orlando Silva y Os Cariocas; conocían a Sylvia Telles (cuya grabación de "Foi a noite", de Jobim, en 1956, es considerada por algunos la piedra basal del movimiento), y a los innovadores como Laurindo Almeida, Luís Bonfá o João Donato; sabían que el pianista y compositor Johnny Alf había grabado en 1952 un par de sambas con una inédita formación jazzística (piano, guitarra y contrabajo) y estaban atentos a cuanta novedad se produjera, aun en boliches en los que algunos de ellos, por muy jóvenes, tenían vedado el acceso.
A ello se agrega como lo señala adncultura lanacion.com.ar. que Roberto Menescal, Carlos Lyra, Luís Eça y los hermanos Castro Neves, entre otros, tripulaban el mismo barco (al que cada noche se sumaban invitados), y Nara Leão, gracias a la tolerancia de su papá, los recibía a todos en su departamento de Copacabana, que la leyenda imagina hoy como la cuna exclusiva de la bossa nova. Era una corriente irresistible que se preparaba para cambiarlo todo, inaugurando una combinación de acordes disonantes en una sintaxis propia. Solo faltaba que llegara João Gilberto con su célebre "batida" y sus endiabladas síncopas para desembocar en la revolución armónica sintetizada en su voz y su guitarra.
Ya nadie discute que fue él quien dividió aguas. Con su versión de "Chega de saudade" (Jobim-Vinicius) en un 78 rpm grabado en julio de 1958, o bien unos meses antes, cuando se escuchó la guitarra inconfundible acompañando, en el mismo tema y en "Outra vez", a Elizeth Cardoso. Era en un LP consagrado al nuevo y muy prestigioso dúo Tom Jobim-Vinicius de Moraes: Canção de amor demais , que no tuvo excesiva difusión porque pertenecía a un sello pequeño dedicado a divulgar la obra de los poetas, pero bastó para que João fuera inmediatamente invitado a grabar como solista.
Baden Powell explicó el fenómeno en palabras sencillas: "La voz y la guitarra de João Gilberto son como el café con leche: una vez que se mezclaron, ya no pueden separarse". (Felizmente, pudo comprobárselo aquí, en 1964, pleno auge de la bossa nova , cuando João se presentó en el inolvidable club 676 de la calle Tucumán, y dos veces más: en su demorado regreso, hace ahora diez años, y en 1999, cuando Buenos Aires tuvo el privilegio de asistir a la reunión en escena con su coterráneo Caetano Veloso, el más devoto de sus fans.)
"Chega de saudade" fue el punto de partida para la bossa nova pero también un punto de inflexión para Gilberto, que desde entonces nunca cesó en su lenta, amorosa tarea de cincelar cada canción para despojarla de adornos y extraerle nuevas resonancias, nuevas armonías, siempre con esas síncopas que alteran el orden natural de los tiempos fuertes y débiles, con esas exquisitas demoras y esos precisos avances en el canto respecto del ritmo. Lo que procura es -palabras suyas- "casar las palabras con el acorde". La voz hace también de instrumento, camina junto con él. Es una obsesiva búsqueda de lo esencial, de la perfección. Menos es más, sabe João, como sabe que "cantar con simplicidad exige horas de estudio . Pero hace falta sabiduría para distinguir lo sustancial de lo superfluo; es necesario localizar el corazón poético de la canción para que el efecto no sea mero efecto sino maniobra expresiva. Nadie está más identificado con la bossa nova que él, y sin embargo, se desinteresa de los rótulos: "Para mí es samba, nuestra música infinita sobre la cual el artista puede crear su fraseado personal. La música es sonido y el sonido es voz, instrumento: el cantor debe saber cuándo alargar o acortar un agudo, un grave, de modo que transmita, con perfección, el mensaje emocional". Así, João coincide con muchos otros, creadores o estudiosos. No se trata de un género musical: la bossa nova es una manera de cantar, tocar, componer y arreglar música. Una reinterpretación del samba.
Definitivamente como otros al respecto han señalado, La Bossa Nova fue la primera Gran revolución en términos de estructuras armónicas, melódicas y rítmicas y el primer lenguaje moderno que se utilizó en Brasil para hacer música. También por primera vez en el siglo Brasil exportó a los Estados Unidos y a Europa un movimiento musical, y no sólo figuras exitosas, pero aisladas. La Bossa Nova fue un movimiento orgánico, completo en sí mismo, acabado, que surgió de manera espontánea, natural, gracias a la convergencia de diferentes factores.
Tengase presente, que el precursor directo del movimiento bossa nova, sin embargo, fue un compositor, cantante y pianista nacido en el barrio carioca de Vila Isabel - el mismo de Noel Rosa, - llamado Alfredo José da Silva, quien propuso una marcación rítmica diferente, con una fuerte influencia del jazz. "En el jazz - explicó Alf en una entrevista, - el pianista toca tejiendo un cerco alrededor del solista o cantante, dentro del prisma armónico de la música. La música lo orienta y, a su vez, él orienta armónicamente al solista. No hay una marcación regular, sino más bien una suerte de espontaneidad rítmica del piano en función de la armonía. El compás de la bossa tiene mucho de eso ".Ese aporte de da Silva, más su forma de frasear desde el piano o con su canto serían desarrollados por los grandes creadores de la bossa nova.
Muy dificil que el bossa nova llegue a su fin, siempre habran cariocas, músicos creativos que de su melodía, ritmo que genera el bossa nova aparecerán nuevas interpretaciones Aparecerán otros Joao Gilberto con un estilo especial, melódico que mantengan encendida la llama emocional que se deriva del Bossa Nova.
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27 Noviembre 2007
Donizetti
SARAMORI
Italia contó con Gaetano Donizetti como un prolífero compositor de operas.
Se sabe, nació en Bérgamo en el seno de una familia humilde. Estudió música en el Conservatorio de Nápoles y en el Liceo Filarmónico de Bolonia. Compuso sesenta y cinco óperas y operetas. Su cuarta ópera, Enrico di Borgogna (1818), fue la primera que estrenó en un teatro, aunque su fama le llegó con el estreno de Ana Bolena (1830). Su estilo musical, influido en gran medida por Gioacchino Rossini, se caracteriza por sus brillantes y elegantes melodías, destinadas a los virtuosos del canto.
A los ocho años es admitido en las Lezzioni caritatevoli di musica que dirigía Johannes Simon Mayr , Mayr influyó altamente en el joven Donizzeti, aproximándolo hacia los modelos del Clasicismo Vienes, lo que dio lugar a sinfonías, cantatas, cuartetos y quintetos que Donizzeti compuso siguiendo los modelos de Haydn y Mozart, cultivando a su vez la música sacra.
En 1815 es enviado al Liceo Musicale de Bologna, donde permanecerá dos años para perfeccionarse en las técnicas de contrapunto con el padre Mattei, también maestro de Rossini. Es aquí en Bologna, donde compuso sus primeras óperas: Il Pigmalione (1816), Olimpiade y L´ira d´Aquille (ambas 1817), pero su primer éxito, llegó con Enrico di Bologna, estrenada en Venecia en 1818. Sin embargo el verdadero éxito le llegará en 1824 con dos de sus operas que recibieron un clamoroso recibimiento con pocos meses de diferencia: Zoraira di Granata (Roma) y sobre todo L´aio nell´imbarazzo, que lo lanzó en el exterior. A partir de este momento se ve obligado a una producción frenética (hasta ocho óperas en un año), por una demanda de un mercado operístico que lo había convertido en uno de sus favoritos.
Sus obras más importantes son la gran ópera Lucia di Lammermoor (1835, su ópera más famosa basada en la novela The Bride of Lammermoor, del escritor escocés sir Walter Scott), Linda di Chamounix (1842) y las pequeñas óperas L'elisir d'amore (1832), La hija del regimiento (1840) y Don Pasquale (1843). Donizetti pasó los últimos años de su vida en un manicomio y en un hospital. Murió en Bérgamo.
Al respecto Wikipedia nos indica, que fue muy conocido por sus obras L'elisir d'amore, que contiene la famosa aria "Una furtiva lagrima"; Lucia di Lammermoor, inspirada en la novela de Walter Scott; y La favorita, acción desarrollada en Madrid, España.
Aunque su repertorio de compositor abarca un gran número de géneros, incluida la música religiosa, cuartetos de cuerda y obras orquestales, es sobre todo conocido por su obra lírica, componiendo hasta 75 óperas.
Se ha escrito, que vivió una época oscuras de su vida y que fue el punto de partida de sus posteriores trastornos mentales. En menos de dos años mueren sus padres su hija y su mujer. Fracasará también su obra Pia de Tolomei en la Scala de Milán, lo que terminará por sumirlo en una etapa de melancolía, que le hará abandonar Nápoles y trasladarse a París. Allí reasumirá un ritmo de trabajo desenfrenado al que acompañará el éxito, destacando: La hija del regimiento (1840), La favorita (1840), Maria di Roan y Dom Sébastien (1843) y sobre todo Don Pascuale del mismo año, que esta considerada unánimemente su obra maestra.
Agotado por la intensidad de su trabajo y por la hipersensibilización de su sistema nervioso, Donizzeti sufrió una parálisis cerebral (1845), será conducido mas tarde a Bérgamo por sus familiares pues el autor había manifestado su voluntad morir allí, haciéndolo el 8 de abril de 1848.
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7 Septiembre 2007
SARAMORI
Desafortunadamente como todos sabemos tarde o temprano nos toca abandonar nuestro cuerpo físico, despedirnos, haciendo que se manifiesten multiplicidad de sentimientos de acuerdo a como nos reconocieron, convivieron con nosotros mientras permanecemos en esta dimensión. A los 71 años con una última hija de 11meses se despidió físicamente Pavarotti dejándonos una estela de éxito maravillosa, una gran cantidad de CD en donde su voz será siempre recordada, interpretando música de los grandes maestros, como solamente él lo sabía hacer, con su maravillosa voz Un cáncer del páncreas se encargo de destruir su vehículo físico y marchar a cantar a esas dimensiones en donde todos debemos de volver. Le toca a todos aquellos que habitan en ella disfrutarlo.
Como lo escribe Wikipedia, nació en las afueras de Módena en la parte norte de Italia, hijo único de Fernando Pavarotti, un panadero y tenor aficionado, que estimuló a Luciano a comenzar sus estudios en el mundo del canto lírico. y de Adele Venturi, trabajadora en una fábrica cigarrera. Aunque hablaba con cariño de su infancia, su familia tenía escasos recursos económicos; sus cuatro miembros se apiñaban en un apartamento de dos cuartos. Según Luciano, su padre tenía una fina voz de tenor pero rechazó la posibilidad de dedicarse a la carrera de cantante debido a sus frágiles nervios. La Segunda Guerra Mundial forzó a la familia a salir de la ciudad en 1943. Y en el siguiente año tuvieron que rentar un cuarto a un granjero en la campiña cercana, donde el joven Luciano desarrolló interés en la agricultura.
Su formación académica se la debe a la Scuola Magistrale, donde trabajó como profesor de primaria después de graduarse. Sus mentores en el arte del bel canto fueron Arrigo Polo y Ettore Campogalliani. Sus primeras incursiones vocales las dio en el coro de Módena junto a su padre.
De profesión, a Pavarotti le hubiera gustado ser maestro, sin embargo, la vida le señaló la ópera como el mejor de los caminos a seguir, en el coro del Teatro de la Comuna, en Módena, y más tarde en La Coral de Gioacchino Rossini demostró su talento.
Debutó el 29 de abril de 1961, como Rodolfo en la ópera La Bohème de Puccini, en el palacio de la ópera de Reggio Emilia. Si esto le hizo ganar mucha popularidad, más ganó cuando cantó el rol de Tonio de la ópera La hija del regimiento de Gaetano Donizetti con su difícil aria de nueve notas do de pecho. Ello le hizo merecedor de aparecer en la portada de una edición del periódico estadounidense The New York Times.
En su acercamiento a la música popular, grabó duetos con Eros Ramazzotti, Sting, Andrea Bocelli, Frank Sinatra, Michael Jackson , e inéditamente, con el brasileño Caetano Veloso y el grupo de rock irlandés U2. Con sus colegas y amigos, los tenores españoles Plácido Domingo y José Carreras, formó el trío Los Tres Tenores (The Three Tenors). Ha registrado en disco muchas óperas, donde destaca su trabajo junto a Joan Sutherland y el director de orquesta indio Zubin Mehta.
Considerado por muchos como el mejor tenor de su generación, Pavarotti falleció en la madrugada del jueves en su casa de la ciudad de Módena (norte de Italia), después de una larga batalla para superar el cáncer de páncreas que padecía.
Bajo una lluvia de aplausos, el féretro con los restos mortales del tenor fue llevado en la noche del jueves a la catedral romana de la ciudad, declarada patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, donde su capilla ardiente permanecerá abierta al público hasta el sábado.
Cerca de un millar de admiradores y curiosos, además de un centenar de periodistas de todo el mundo, abarrotaron la plaza para ser los primeros en entrar en la capilla ardiente."Módena se identificaba con Pavarotti, que dio a conocer esta ciudad en el mundo entero gracias a su voz extraordinaria", declaró Pighi.
Conocido desde sus inicios por la claridad de su voz, se adentró en el mundo de la ópera cuando ganó un concurso de canto en 1961.
En 1991, cerca de 150.000 personas, incluyendo el Príncipe y la Princesa de Gales, se congregaron bajo la lluvia en el Hyde Park de Londres para oírlo cantar.
El año anterior, su interpretación del aria Nessun Dorma de la ópera "Turandot" de Giacomo Puccini había sido elegida para la final del mundial de fútbol de 1990, celebrado en su Italia natal.
Pavarotti cantó también Nessun Dorma durante su última gran actuación, que tuvo lugar en Turín en la inauguración de los Juegos Olímpicos de invierno en febrero de 2006.
Entre sus iniciativas más conocidas de los últimos años se encuentran las actuaciones con los otros dos grandes cantantes del momento, José Carreras y Plácido Domingo, conocidos como los "Tres Tenores", así como los "Pavarotti y Amigos", conciertos anuales celebrados en Módena.
Pavarotti fue un gran humanista, muchos conciertos cantó a fin de colaborar con los ingresosen favor de los desposeídos.
Es un hecho cierto, ha muerto 'El tenor del pueblo', 'El Rey del do de pecho', 'El tenor de la voz cristalina'; pero también una buena persona que nunca renunció a sus orígenes humildes y luchó por acercar la ópera a la gente.
Uno de los grandes papeles de Luciano Pavarotti fue el personaje del poeta Rodolfo, en 'La Bohême' de Puccini, y siempre recuerdo con emoción unas frases del dúo del primer acto que el cantó como nadie
Tal como dice Juan Carlos Gago la muerte de Luciano Pavarotti significa, ante todo, la desaparición de uno de los últimos divos que ha dado la ópera en su historia. El gran tenor italiano consiguió concitar admiración y cariño, no sólo sobre los escenarios, sino también en su vida pública fuera de los mismos.
Muy difícil para para los amantes del bel canto olvidar el 6 de septiembre de 2007 , el día que la presencia física de Pavarotti nos abando
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24 Junio 2007
SARAMORI
Federico Chopin es considerado el más grande compositor polaco y también uno de los más importantes pianistas de la historia. Su perfección técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach y Mozart por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores.
Se ha escrito también que si el piano es el instrumento romántico por excelencia se debe en gran parte a la aportación de Frédéric Chopin: en el extremo opuesto del pianismo orquestal de su contemporáneo Liszt –representante de la faceta más extrovertida y apasionada, casi exhibicionista, del Romanticismo–, el compositor polaco exploró un estilo intrínsecamente poético, de un lirismo tan refinado como sutil, que aún no ha sido igualado. Pocos son los músicos que, a través de la exploración de los recursos tímbricos y dinámicos del piano, han hecho «cantar» al instrumento con la maestría con qué él lo hizo. Y es que el canto constituía precisamente la base, la esencia, de su estilo como intérprete y como compositor. Hijo de un maestro francés emigrado a Polonia, Chopin fue un niño prodigio que desde los seis años empezó a frecuentar los grandes salones de la aristocracia y la burguesía polacas, donde suscitó el asombro de los asistentes gracias a su sorprendente talento. De esa época datan también sus primeras incursiones en la composición. Wojciech Zywny fue su primer maestro, al que siguió Jozef Elsner, director de la Escuela de Música de Varsovia
Frédéric y sus hermanas crecieron en un entorno en el que el gusto por la cultura en general, y la música en particular, era considerable. Su primera maestra de piano fue su hermana Ludwika, con quien luego tocaba duetos para piano a cuatro manos. Al destacar pronto sus excepcionales cualidades, a los seis años sus padres lo pusieron en manos del maestro Wojciech Żywny, violinista amante de la música de Bach (hecho entonces poco común) y de Mozart, y que basaba sus enseñanzas principalmente en ellos.
A los ocho años tocaba el piano con maestría, improvisaba y componía con soltura: dio su primer concierto público el 24 de febrero de 1818 en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia, donde tocó el Concierto en mi menor de Vojtech Jirovec. Pronto se hizo conocido en el ambiente local de la ciudad, considerado por todos como un «niño prodigio» y llamado el «pequeño Chopin». Comenzó a dar recitales en las recepciones de los salones aristocráticos de la ciudad, para las familias Czartoryski, Grabowski, Sapieha, Mokronowski, Czerwertynski, Zamoyski, Radziwill, Lubecki, Zajaczek, Skarbek y Tenczynski, tal como hiciese Mozart a la misma edad. Así se ganó un número creciente de admiradores.
También desde su niñez se manifestó ya un hecho que marcó poderosamente su vida: su quebradiza salud. Desde niño había sufrido inflamaciones de los ganglios del cuello y había tenido que soportar frecuentes sangrías.
El 7 de julio de 1826 Frédéric completó sus estudios en el Liceo, graduándose cum laude el 27 del mismo mes. Al mes siguiente viajó por primera vez fuera de Polonia: fue con sus hermanas a descansar a Bad Reinertz (actual Duzniki-Zrdoj) en Silesia del Sur. En noviembre del mismo año se inscribió en la Escuela Superior de Música de Varsovia, entonces parte del Conservatorio de Varsovia y conectada con el Departamento de Artes de la Universidad de Varsovia. Allí continuó sus estudios con Elsner, pero no asistió a las clases de piano. Elsner, que lo conocía, comprendió su decisión, pero fue muy exigente en las materias teóricas que le enseñó, sobre todo en contrapunto. Gracias a esto, adquirió una sólida comprensión y técnica de la composición musical. En este tiempo, compuso su Sonata para piano nº 1 en do menor OP. 4, sus Variaciones sobre el aria «Là ci darem la mano» (de la ópera Don Giovanni de Mozart) para piano y orquesta Op. 2 y el Trío para violín, cello y piano Op. 8, evidentemente obras de mayor envergadura, basadas en formas clásicas (la sonata y las variaciones concertantes). Elsner escribiría en las calificaciones finales de sus estudios: "talento sorprendente y genio musical".
se enamoró de Konstancja (Konstanze) Gladkowska (1810-1880), una joven estudiante de canto del Conservatorio, que había conocido en 1828 en un concierto de estudiantes de Carl Soliva. De esta primera pasión juvenil nacieron varias obras memorables: el Vals Op. 70 nº 3 y el movimiento lento de su primer Concierto para piano y orquesta en fa menor. Sobre él reconoció a su amigo Titus Woyciechowski: Quizá desafortunadamente, tengo mi propio ideal, al que en silencio sirvo desde hace medio año, con el que sueño y en cuyo recuerdo he compuesto el Adagio de mi nuevo concierto (1829)[4. Dicha obra fue estrenada en el Club de Mercaderes de Varsovia en diciembre del mismo año, y publicada posteriormente como nº 2, Op. 21.
Tuvo un verdadero romance con George Sand y yaya bien establecido, en vez iniciar una convivencia bajo un mismo techo, alquiló dos casas contiguas en París. La pareja comenzó a trasladarse a la casa de Sand en Nohant para pasar los veranos. Allí, la escritora cuidaba del frágil pianista que, bajo su mirada maternal, compuso parte de su mejor producción.
El FiQui, número 6 - Febrero 1996. nos comentaque se publicó en 1987 en el Diario Médico de Australia, un artículo escrito por el Doctor John O'Shea. Recogemos aquí algunos de los aspectos más interesantes del mismo.Parece totalmente asumido que Chopin murió a los 39 años de tuberculosis, sin embargo sus propios médicos no estaban del todo convencidos de que el verdadero problema fuese la tuberculosis. Chopin medía 1´70 y pesaba 45 kilos durante su vida adulta. Tenía tos crónica- más fuerte por la mañana y en el invierno; solía perder peso después de las infecciones respiratorias y por "indiscreciones en la dieta", comía fundamentalmente hidratos de carbono y evitaba comidas grasas -que le causaban diarrea. Mantuvo un historial de 18 años con hemoptisis; poca tolerancia al ejercicio (después de algunos conciertos estaba tan cansado que se tenía que retirar acompañado); posteriormente su pecho adoptó forma de barril, y era considerado como un "gran sudador".
Uno de los alumnos de Chopin, Franz Liszt, escribió que Chopin tenía "una falta de desarrollo muscular normal". Se cree que también era estéril ya que nunca tuvo hijos. Aparentemente la autopsia reveló un agrandamiento del corazón. Aunque no hay informes sobre dedos en forma de palillo de tambor (habitual en FQ), Chopin siempre llevaba guantes, y no hay ningún retrato suyo en el que se vean sus manos, en contra de la costumbre de la época de hacer retratos a los pianistas.
Parece ser que su hermana Emily, falleció a los 14 años también a causa de la FQ. Tenía pérdida severa de peso, hemoptisis recurrente, neumonía y un largo historial de infecciones respiratorias. Chopin creía que Emily murió por tuberculosis miliar contagiada por él. (O'Shea indica que la tuberculosis miliar generalmente no es contagiosa y la tuberculosis secundaria no es habitual en niños)
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